ILUSTRACIÓN
POR: Fernando Emilio Saavedra Palma.
AJEDREZ-GÓTICO
Edgar Allan Poe.
Autor:
Fernando Emilio Saavedra Palma.
Para: La
arquitectura GÓTICA DEL PLANETA.
Ajedrez Gótico Erótico
y enamoradamente estóico…
Sublime Edad Media icono en el mundo
recordando un tablero histórico…
100 % evolutivo con Edgar Allan Poe a lo poético
y al tiempo intemporal periodístico…
Ajedrez Gótico vive en lo acrobático
corporal floral femenino aromático…
Y encuentro en la novela-poema o cuento
un elemento con el lenguaje algebráico ajedrecístico
gótico …
…el nodo amoroso de tu cuerpo…
…los muslos sudorosos con tus medias a lo negro…
…los olorosos instintos feromonales a tu juego…
…la partida gótica me aloca al jaque mate en el
tablero…
…el diseño gótico enamorado al universo…
…el momento desmedido del medievo…
…almas acurrucadas al fuero del hierro…
…y templanza total del pensamiento humano…
canticummortis.overblog.com
Arte gótico es una
denominación del estilo
artístico que se desarrolló en
Europa
occidental durante los últimos
siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. Se
trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se
expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en
momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo
diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de
París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en
Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como
la catedral
de Milán), con peculiaridades
locales en Flandes, Alemania, Inglaterra y España.
El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con
la plenitud y la crisis
de la Edad Media. Se suele
indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y
campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana
donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes
religiosas(monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia
(revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma
de Occidente) y finalmente los
pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en
términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista,
la transición del feudalismo al capitalismo).
Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico
eleva prodigiosascatedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otrasartes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte
arquitectónico.
No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio
de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de
adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue
siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas
basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). Sin duda el principal elemento de continuidad es la concepción
intemporal de la obra: en la mayor parte de las construcciones los estilos se suceden y
funden al ritmo de los siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra
que ellos no verán terminada, ni quizá sus hijos o nietos. En muchas de ellas,
incluso se pone en valor el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o
económico (a veces por rivalidad política) que cuando se inicia no se ha
planificado cómo terminar, como es el caso de las catedrales de Siena y de Florencia.
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en
Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento
la basílica de la abadía real de Saint Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por
los monasterios de laorden del Císter un
estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos
estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval, que se suele denominar arte cisterciense.
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante
superficial exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que
suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes acontrafuertes externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso
de arbotantes. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y
elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros. Los
elementos sustentantes (pilares de complicado diseño) quedan mucho más estilizados. Pero la
utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se trata
de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción
del arte y con él del mundo. Un elemento estructural, por importante que sea,
no puede resumir un concepto global sobre la vida.
Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un
espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi
palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. El humanismo
incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la luz.
Este hecho está relacionado con la divulgación de las corrientes filosóficas
neoplatónicas, que establecen una vinculación entre el concepto de Dios y el
ámbito de la luz. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente
innecesarios los muros en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias
se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico. Será una luz
física, no figurada en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no
concentrada en puntos y dirigida como si de focos se tratase; a la vez que es
una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los rosetones, que trasforma el espacio en irreal y simbólico. El color alcanzará una
importancia crucial.
La luz está entendida como la sublimación de la divinidad. La simbología
domina a los artistas de la época, la escuela de Chartres considera la luz el elemento más noble de los fenómenos naturales,
el elemento menos material, la aproximación más cercana a la forma pura.
El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite, mediante la
utilización de la técnica, emplear la luz, luz transfigurada, que
desmaterializa los elementos del edificio, consiguiendo claras sensaciones de
elevación e ingravidez.
Escultura gótica las tallas
en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de
cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos,
la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso
del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo
alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y
naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas
que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las
expresiones faciales y la pose.
Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias, a mediados
del siglo XII en laIsla de Francia, cuando el abad Suger hizo construir la abadía de Saint-Denis (h. 1140), considerada el primer edificio gótico, y muy pronto le siguió
la catedral de Chartres (h. 1145). Anteriormente, no había tradición escultórica en la Isla de Francia,
así que los escultores se traían de Borgoña, quienes crearon las revolucionarias figuras que actuaban como columnasen el Pórtico
Real de Chartres. Era un invento enteramente nuevo y proporcionaría el modelo
para una generación de escultores.
Las ideas francesas se divulgaron. En España la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y
obras que llegaron procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la
influencia del taller de Rieux es bastante evidente en la virgen del Patrocinio de Cardona. En Alemania, desde 1225 en la catedral de Bamberg en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. La
catedral de Bamberg tiene el más amplio conjunto de escultura del siglo XIII,
culminando en 1240 con el Caballero de Bamberg, la primera estatua ecuestre en
el arte occidental desde el siglo VI, y que se cree que retrataba a Conrado II.
En Inglaterra la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y
decoraciones no figurativas, en parte debido a la iconoclastia cisterciense. En Italia
aún persistía la influencia clásica, destacando obras como el púlpito del
baptisterio de Pisa (1269) y el de la catedral de Siena. Una obra maestra tardía de la escultura gótica italiana es la serie de
tumbas de los Scaligeri en Verona.
Las técnicas de tallado de madera se hacen cada vez más sofisticadas,
llegando a su máximo esplendor en la integración del color y el diseño
arquitectónico de complejísimosretablos. La recuperación de la tradición clásica de la fundición del bronce deberá esperar alrenacimiento italiano.
El escultor flamenco-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcó el comienzo del fin para la
escultura gótica, evolucionando hacia el clasicista estilo renacentista a
finales del siglo XV.
Hasta alrededor de 1200 no apareció un estilo de pintura que pueda
llamarse «gótico»; es decir casi 50 años después del comienzo de la
arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es
muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un
estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta
transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en
Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.
Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones
figurativas son simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar
el realismo y
naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación
de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual.
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y
religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos
(lossantos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones
(placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
También hay lentos avances en el uso de laperspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento
de los soportes(que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y
los aglutinantes.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie,
durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:
·
Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio
para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa,
como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
·
Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda
Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma
predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
·
Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la
pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares
donde no han sobrevivido otras obras monumentales.
La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.
El florecimiento del negocio de la lana y los paños, vinculados a
las ferias y rutas comerciales que recorren Europa de norte a Sur (de Florencia, Génova y Venecia aChampaña y Flandes, sin olvidar Medina del Campo), producen el nacimiento de un arte singular: el tejido detapices, que tuvo un prestigio social importantísimo. No para sus autores, que
nunca pasaron de la consideración de meros artesanos, sino para sus poseedores. No habiendo una clara separación entre lasartes industriales y las que hoy consideramos bellas artes, podría decirse lo mismo de maestros de obras, pintores y escultores,
que aunque conservemos el nombre de muchos de ellos, no pasaban de ejercer
también uno de los oficios viles y mecánicos, ni siquiera equiparables a las profesiones liberales.
